Simone Sandronis Tanzstück „New Sites“ wurde gestern Abend – zum Abschluss des KING-Festivals in Bielefelds russischer Partnerstadt Nowgorod – als beste Show des Festivals ausgezeichnet. Tanz Bielefeld war am vergangenen Wochenende mit dieser Produktion dort zu Gast. „New Sites“ behauptete sich gegen Stücke unter anderem aus Dänemark, Italien, Niederlande, Frankreich, ...

Simone Sandronis Tanzstück „New Sites“ wurde gestern Abend – zum Abschluss des KING-Festivals in Bielefelds russischer Partnerstadt Nowgorod – als beste Show des Festivals ausgezeichnet. Tanz Bielefeld war am vergangenen Wochenende mit dieser Produktion dort zu Gast. „New Sites“ behauptete sich gegen Stücke unter anderem aus Dänemark, Italien, Niederlande, Frankreich, Estland und Schweden. Nach den Einladungen 2015 und 2017 war dies bereits der dritte Festivalbesuch des Theaters Bielefeld in Nowgorod.
Das KING-Festival wird seit 1992 alle zwei Jahre vom Theater Mali ausgetragen und präsentiert eine Auswahl der besten Kinder- und Jugendtheaterproduktionen aus ganz Europa. Es gehört in Russland zu den größten Festivals seiner Art.

Eine Wanderausstellung des Landschaftsverbandes Westfalen-Lippe (LWL) in Zusammenarbeit mit der Stadt Paderborn, der Universität Paderborn, des Arbeitskreises ostwestfälisch-lippischer Archivare und des Altertumsvereins Westfalen, mit Unterstützung der Britischen Streitkräfte in Deutschland.

Das Städtische Museum erweitert die Ausstellung durch Leihgaben von Zeitzeugen und Zeitzeuginnen aus Herford sowie durch Exponate aus der ...

Eine Wanderausstellung des Landschaftsverbandes Westfalen-Lippe (LWL) in Zusammenarbeit mit der Stadt Paderborn, der Universität Paderborn, des Arbeitskreises ostwestfälisch-lippischer Archivare und des Altertumsvereins Westfalen, mit Unterstützung der Britischen Streitkräfte in Deutschland.

Das Städtische Museum erweitert die Ausstellung durch Leihgaben von Zeitzeugen und Zeitzeuginnen aus Herford sowie durch Exponate aus der eigenen Sammlung.

Eröffnung am 19. Mai 2019 | 11:30 Uhr.

Eine Auswertung der Tanzprojekte am Theater Bielefeld durch die Universität Bielefeld hat es ans Licht gebracht:

Männer tanzen gern in homogenen Gruppen.

Was läge also näher, als einen „Schrittmacher“ nur mit Männern auf die Bühne zu bringen?
Gesagt – getan. „Männersache“ ist der Titel des Tanzabends mit ...

Eine Auswertung der Tanzprojekte am Theater Bielefeld durch die Universität Bielefeld hat es ans Licht gebracht:

Männer tanzen gern in homogenen Gruppen.

Was läge also näher, als einen „Schrittmacher“ nur mit Männern auf die Bühne zu bringen?
Gesagt – getan. „Männersache“ ist der Titel des Tanzabends mit männlichen Laientänzern, der sich und das „starke Geschlecht“ nicht immer ernst nimmt und sich mit Humor, aber auch auf berührende Art mit dem Männerbild in der Gesellschaft des 21. Jahrhunderts auseinandersetzt. Was wird von Männern heute erwartet? Ein Leben zwischen Wikinger, Frauenversteher, Karrierehengst, Baumarktexperte und Hobbykoch? Hier treffen Klischees auf Lebensrealitäten.

William Ward Murta, der Musical-Kapellmeister von Theater Bielefeld, wird von New England Biolabs (NEB) mit dem „Passion in Science Award 2019“ in der Kategorie „Arts & Creativity“ ausgezeichnet.
Den Preis erhält er für Idee, Text und Komposition des Wissenschaftsmusicals „Das Molekül“, das 2017 am Stadttheater Bielefeld uraufgeführt wurde. Mit diesem ...

William Ward Murta, der Musical-Kapellmeister von Theater Bielefeld, wird von New England Biolabs (NEB) mit dem „Passion in Science Award 2019“ in der Kategorie „Arts & Creativity“ ausgezeichnet.
Den Preis erhält er für Idee, Text und Komposition des Wissenschaftsmusicals „Das Molekül“, das 2017 am Stadttheater Bielefeld uraufgeführt wurde. Mit diesem Musical hat er weit über Bielefelds Grenzen hinaus für Furore gesorgt. William Ward Murta hat Biochemie und Genetik zum Bühnenstoff gemacht und damit Neuland betreten. „Das Molekül“ handelt von der Entschlüsselung der DNA Anfang der 1950er-Jahre und der Entwicklung der Gentechnologie rund ein halbes Jahrhundert später. Genauer gesagt: von den Menschen, die mit ihren Visionen, ihrer Leidenschaft und ihren Eitelkeiten hinter dieser Forschung steckten. Murtas brillant komponierte Musik geht durch den unverwechselbaren Broadway-Stil direkt ins Ohr und verleiht der Handlung Tiefe und Dramatik.
Das private Forschungsunternehmen New England Biolabs (NEB) mit Sitz in Ipswich (Massachusetts/USA) prämiert mit dem „Passion in Science Award“ alle zwei Jahre Menschen, die sich innovativ und mit Leidenschaft für wissenschaftliche Themen einsetzen. Die diesjährige Preisverleihung findet im Mai in Ipswich statt.

Simone Sandroni, Chefchoreograph Tanz Bielefeld, lässt zehn Tänzer in einer Küche ihre, ihnen auf den Körper geschriebenen, archetypischen Charaktere ausleben. Es wird geweint, gelacht, gestritten, geliebt – und sogar gekocht. Sandroni stellt den Menschen als soziales Wesen in den Mittelpunkt dieses Tanzabends.

In der Küche, die ja des Deutschen ...

Simone Sandroni, Chefchoreograph Tanz Bielefeld, lässt zehn Tänzer in einer Küche ihre, ihnen auf den Körper geschriebenen, archetypischen Charaktere ausleben. Es wird geweint, gelacht, gestritten, geliebt – und sogar gekocht. Sandroni stellt den Menschen als soziales Wesen in den Mittelpunkt dieses Tanzabends.

In der Küche, die ja des Deutschen liebster Raum ist, prallen die unterschiedlichen Figuren aufeinander, reiben sich und andere Charaktere ergänzen sich harmonisch. „Was mich bei meiner Recherche besonders interessierte, war, aus welchen gesellschaftlichen Motivationen traditionelle Tänze und Tanzrituale entstanden sind. In ihnen liegt ein kommunikatives Bedürfnis, sie lassen das Gefühl von Zugehörigkeit entstehen und haben damit auch eine soziale Schlüsselfunktion. Die Vitalität und Energie, die diesen Tänzen innewohnt, möchte ich in meiner Choreografie einfangen“, sagt Sandroni.
Der Tanz manifestiert sich nicht in einer festen, an den Takt gebundenen, Form. Musik und Choreographie ergänzen sich je nach den dargestellten Inhalten, sie sind flexibel, kommunikativ, physisch und sogar akrobatisch. So geht es „über Tische und Bänke“.
Milian Vogel, Musik (Arrangement, Sampling), ergänzt: „Aus einem kleinen Kernstück folkloristischer Musik entsteht die kleinen Behauptung einer Folklore, die sich aus verschiedenen Quellen speist, in dieser Form aber nicht vorkommt. Ein italienischer Kern wird zum Beispiel mit afrikanischen Einflüssen modifiziert.“ Ebenso verhält es sich mit den Kostümen, so die Dramaturgin Janett Metzger, die sehr farbenfroh und individuell auf die einzelnen Figuren zugeschnitten sind.

Die Zuschauer erwartet ein Tanzabend, den man durchaus als Sinnbild für den Schmelztiegel des mediterranen Raumes und seinen historischen Einfluss auf die Entstehung der europäischen Kultur verstehen kann.

Es tanzen: Dhélé Agbetou, Tommaso Balbo, Alexander Bennett, Carla Bonsoms i Barra, Melissa Cosseta, Gyeongjin Lee, Noriko Nishidate, Adrien Ursulet, Simon Wolant, Elvira Zúñiga

Unter der Leitung von Jenni Schnarr hat der TeenClub des Landestheaters Detmold das „Stück Lass es gut sein!“ entwickelt.

„Das Problem ist ja: Wir haben ein Problem. Auf der einen Seite wissen wir ziemlich genau, was alles schief läuft auf unserer Welt - und auf der anderen Seite ist ...

Unter der Leitung von Jenni Schnarr hat der TeenClub des Landestheaters Detmold das „Stück Lass es gut sein!“ entwickelt.

„Das Problem ist ja: Wir haben ein Problem. Auf der einen Seite wissen wir ziemlich genau, was alles schief läuft auf unserer Welt - und auf der anderen Seite ist das alles viel zu komplex, um es alleine zu lösen. Aber: Wir müssen ja was machen. Auch wenn wir scheitern. Weil wir jeden Tag Entscheidungen treffen, weil wir ja sowieso Dinge tun. Im besten Falle könnten das ja mal gute Entscheidungen und sinnvolle Dinge sein.
Der TeenClub des Landestheaters Detmold hat geforscht: Was sind Manifeste? Und: Wie schreibt man eines? Wir haben Probleme der Welt gesammelt, suchen Lösungen und Handlungsoptionen und fragen uns dabei immer wieder: womit sind wir nicht einverstanden und was können wir tun? Und: was bringt das eigentlich? Was können wir schon ändern? Müssen wir uns nicht noch besser informieren, um überhaupt Dinge fordern zu können? Und: warum müssen wir überhaupt immer eine eindeutige Meinung haben? Sind wir Manifest fähig? Und: ist die Welt wirklich so schlecht? In performativen, chorischen und szenischen Elementen beschäftigt sich der TeenClub mit diesen Fragen. Die Texte sind zusammen mit den Jugendlichen entstanden, auch an der Dramaturgie wirken sie mit. Wie das ganze ausgeht (dahinter die dringende Frage: Was geben wir dem Publikum mit?) - darum haben wir gemeinsam gekämpft. Auch wenn die möglichen Lösungen sich zu vermessen anfühlen, zu kitschig, zu moralisch oder zu unmöglich. Aber irgendwie muss es ja enden, wahrscheinlich mit einem Einhorn.“

Giuseppe Verdis Melodramma tragico „Luisa Miller“ basiert auf Friedrich Schillers Trauerspiel „Kabale und Liebe“. Eine Oper, die, so GMD Lutz Rademacher, unverständlicherweise relativ selten auf die Bühne kommt. In Detmold erfüllt man sich den lang gehegten Wunsch.
Die Inszenierung von Christian von Götz feiert am 5. April 2019 als dritte ...

Giuseppe Verdis Melodramma tragico „Luisa Miller“ basiert auf Friedrich Schillers Trauerspiel „Kabale und Liebe“. Eine Oper, die, so GMD Lutz Rademacher, unverständlicherweise relativ selten auf die Bühne kommt. In Detmold erfüllt man sich den lang gehegten Wunsch.
Die Inszenierung von Christian von Götz feiert am 5. April 2019 als dritte Opernproduktion Premiere. Die Uraufführung fand im Teatro San Carlo in Neapel im Dezember 1849 statt.

Eine Liebe zweier junger Leute - Standesdünkel und Egoismus der Alten begründen die Tragik dieser Geschichte.
Das Stück ist für von Götz das wertvollste des jungen Verdi. „Es hat eine unglaubliche Kraft, extrem starke Figuren und der dritte Akt gehört zu den schönsten Dingen, die man überhaupt inszenieren kann. Bei Verdi ist es so, als wenn man Musiktheater aus dem Schulbuch inszeniert, das wirklich jede Gemütsregung, jeder Statuswechsel der Figur alles ist in Musik gefasst.“
Die Heirat eines Bauernmädchens mit einem Aristokraten war zur Zeit der Uraufführung und gerade in Neapel undenkbar. Die Provokation war seinerzeit erheblich.
Expressionistisch kommen Bühnenbild und Kostüme (Lukas Noll) daher, Schwarz/Weiß grafisch gehalten, lehnt es sich an die großen Stummfilme wie „Das Cabinet des Dr. Calagari“ an.
Auch die dramatische Musik hat Verdi kontrastreich angelegt. Schon in der schönen Ouvertüre, so Rademacher, sind die Musiker gefordert, den Kontrast und die Feinheit der Musik herauszuarbeiten. Insgesamt „ist das ganz großes Kino“.

Auf der Bühne:
Der Graf von Walter - Seungweon Lee, Rodolfo, sein Sohn - Ji-Woon Kim, Federica, des Grafen Nichte - Yaroslava Kozina, Wurm, Schloßvogt - Alexander Vassiliev, Miller, alter Soldat a.D. - Andreas Jören/Benjamin Lewis, Luisa, seine Tochter - Megan Marie Hart, Laura, ein Bauernmädchen - Annina Olivia Battaglia*, Ein Bote - Stefan Anđelković, La Morte - Caroline Lusken, Symphonisches Orchester, Chor, Extra-Chor und Statisterie des Landestheaters Detmold

* Mitglied im Opernstudio

Eine rasante Inszenierung haben Konrad Kästner und Dariusch Yazdkhasti da hingelegt. Was natürlich die überwältigende Leistung der Schauspieler nicht schmälern soll – dazu später mehr.
Auf der funktionalen Bühne (Mareen Bergmann), die zunächst an ein Schleiflack-Schlafzimmer der 1970-er Jahre erinnert, treibt Faust seine Mitspieler immer wieder an. Nur, wer verkörpert ...

Eine rasante Inszenierung haben Konrad Kästner und Dariusch Yazdkhasti da hingelegt. Was natürlich die überwältigende Leistung der Schauspieler nicht schmälern soll – dazu später mehr.
Auf der funktionalen Bühne (Mareen Bergmann), die zunächst an ein Schleiflack-Schlafzimmer der 1970-er Jahre erinnert, treibt Faust seine Mitspieler immer wieder an. Nur, wer verkörpert den unbändigen Faust gerade? Das ist nicht so einfach zu ergründen, denn die drei Schauspieler Jan Hille, Henriette Nagel und Thomas Wehling teilen sich nicht nur die Bühne sondern auch die vielfältigen Rollen in Goethes „Faust 2“ – jeder ist mal Faust, mal Mephisto und auch eine der anderen zahlreichen Figuren des Stückes. Das Spiel auf der Bühne wird ergänzt durch Videoeinblendungen, für die Konrad Kästner alle Register zieht. Da werden historische Aufnahmen aus der Geschichte Deutschlands gezeigt – Durchhalteparolen des zweiten Weltkrieges ebenso wie Bilder der Trümmerfrauen, die einen wesentlichen Beitrag zum Wiederaufbau beitrugen –, der Karneval in Köln wird von den Schauspielern im Kostüm mit Zitaten aus dem Stück kommentiert und anderes mehr. Zeitkritisch – vielleicht ein wenig populistisch – wird auch zu aktuellen Themen unserer Zeit Stellung genommen.
„Der Tragödie zweiter Teil“ wird in der gebotenen Kürze dargebracht. Vielleicht manchmal etwas zu kurz, mögen manche meinen. Auf jeden Fall passend in unsere schnelle und etwas flüchtige Zeit übersetzt.
Das Premieren-Publikum bedachte die Aufführung mit begeistertem, stehendem Applaus. Wohl nicht zuletzt wegen der außergewöhnlichen Leistung von Jan Hille, Henriette Nagel und Thomas Wehling, die wirklich alles gaben.

Tokio - New York - Herford - Sau Paulo
In dieser Reihenfolge sieht die Welt der Kunst das Museum Marta und damit Herford.
Nach dem jährlichen Ranking der weltweit größten Kunstdatenbank ArtFacts.net rangiert das Marta im ersten Drittel der 100 international wichtigsten Kunstinstitutionen. An 29. Stelle der im Februar ...

Tokio - New York - Herford - Sau Paulo
In dieser Reihenfolge sieht die Welt der Kunst das Museum Marta und damit Herford.
Nach dem jährlichen Ranking der weltweit größten Kunstdatenbank ArtFacts.net rangiert das Marta im ersten Drittel der 100 international wichtigsten Kunstinstitutionen. An 29. Stelle der im Februar veröffentlichten Liste reiht sich Marta als Museum für zeitgenössische Kunst, Architektur und Design direkt hinter Museumsgrößen wie MoMA, The Metropolitan Museum of Art oder der Tate Modern ein. Aus Deutschland sind vor dem Marta Herford lediglich das ZKM in Karlsruhe, der Gropius-Bau Berlin, der Hamburger Bahnhof in Berlin, die documenta und die Hamburger Kunsthalle vertreten.
„Solche Rankings sind natürlich ein wenig mit Vorsicht zu genießen“, meint Marta-Direktor Roland Nachtigäller mit der gebotenen Bescheidenheit, „aber wir freuen uns trotzdem sehr. Es zeigt, wie weit über die nationalen Grenzen hinaus die Herforder Aktivitäten Bedeutung und Sichtbarkeit haben. Ich bin schon von Kolleginnen und Künstlern aus dem Ausland auf diese Platzierung angesprochen worden“.

Der Kulturführer Ostwestfalen-Lippe gratuliert dem Museum Marta und seinem Direktor Roland Nachtigäller zu dieser bemerkenswerten Auszeichnung.

Als multimediale Installation kommt Faust 2 auf die Bühne des Theaters am Alten Markt in Bielefeld. Konrad Kästner und Dariusch Yazdkhasti arbeiten als Einheit bereits seit dreizehn Monaten gemeinsam an der Inszenierung.
„Sie stellen sich der Maßlosigkeit dieses zentralen literarischen Werks der Deutschen und nehmen das Publikum mit auf ...

Als multimediale Installation kommt Faust 2 auf die Bühne des Theaters am Alten Markt in Bielefeld. Konrad Kästner und Dariusch Yazdkhasti arbeiten als Einheit bereits seit dreizehn Monaten gemeinsam an der Inszenierung.
„Sie stellen sich der Maßlosigkeit dieses zentralen literarischen Werks der Deutschen und nehmen das Publikum mit auf eine rauschhafte Fahrt durch Raum und Zeit, die mitten in unsere Gegenwart führt. Ein Panorama an Themen und formalen Mitteln, das den modernen Menschen und den Zustand unserer Welt ins Zentrum stellt.“
Das Stück knüpft an den ersten Teil an. Faust will mehr. Sein unruhiger Geist treibt ihn. Was er auch anfasst, wie erfolgreich er auch ist – er bleibt unbefriedigt. Goethe lässt Faust zum Eroberer und Schöpfer werden, der im Homunkulus, in unsere Zeit übersetzt, künstliche Intelligenz erschafft, Finanzprobleme der Politik löst und als Kriegsherr erfolgreich ist.
Drei Schauspieler Jan Hille, Henriette Nagel und Thomas Wehling präsentieren die zahlreichen Rollen in wechselnden Zuordnungen, jeder ist mal Faust.
Die Bühne, Mareen Bergmann, ist Spiel- und Projektionsfläche zugleich – eine faltbare Simulationsmaschine, so Dariusch Yazdkhasti.
Die Kostüme, Silke Bauer, sind als „reichhaltiger Zitatenschatz aus dem Stück heraus“ zu sehen.

130 Minuten sind für Goethes letztes Werk vorgesehen.

Jerome (Alexander Wilß), ist ein ausgebrannter Komponist der in einem aufgegebenen Bezirk Londons lebt, den die „Töchter der Finsternis“ gewalttätig beherrschen. Die Fenster der Wohnung sind durch dicke Stahlplatten geschützt, um der Gewalt von außen zu widerstehen. Die Wohnung, in der Jerome von Frau und Kind verlasen lebt, macht einen ...

Jerome (Alexander Wilß), ist ein ausgebrannter Komponist der in einem aufgegebenen Bezirk Londons lebt, den die „Töchter der Finsternis“ gewalttätig beherrschen. Die Fenster der Wohnung sind durch dicke Stahlplatten geschützt, um der Gewalt von außen zu widerstehen. Die Wohnung, in der Jerome von Frau und Kind verlasen lebt, macht einen verwahrlosten Eindruck, er ernährt sich von Fertiggerichten und Dosenbier.
Als Komponist sammelt er reale Geräusche in allen Räumen der Wohnung. Ein Grund dafür, dass er verlassen wurde.
Aus Jeromes letztem fünfundvierzigminütigen Werk wurden dreißig Sekunden in einem Werbejingle veröffentlicht.
Der Mann aus der Wohnung nebenan, hat ihm den Prototyp des Roboters Gou 300 F, der zur Kindererziehung programmiert wurde, hinterlassen und Jerome hat ihn weiterentwickelt.
Jerome sehnt sich nach seiner Tochter Geain (Gesa Köhler), seine Frau verweigert ihm den Kontakt, Mervyn, Sozialarbeiter, (Carsten Faseler) drängt ihn zu einem Termin, um ein klärendes Gespräch mit Corinna (Josephine Mayer) seiner Ex-Frau zu führen. Den Termin kriegt er nur gewuppt, wenn er soziale Kompetenz nachweisen kann. Dabei soll Zoe (Kirsten Potthoff), eine Schauspielerin und gelegentliche Escortdame, helfen, deren Besuch Jerome zu weiteren Modifizierungen an Gou 300 F inspiriert.
Sir Alan Ayckbourn hat vor dreißig Jahren ein schnelles Stück geschaffen, das die Schwächen der Akteure offenlegt, den Zerfall gesellschaftlicher Strukturen seziert und mit einer gehörigen Portion Humor genießbar bis liebenswert macht. Ulrike Maacks Inszenierung am Theater Paderborn ist gelungen. Sie überrascht mit eleganten Wendungen, gelungenem Slapstick und arbeitet den Wortwitz wunderbar heraus.
Das Premierenpublikum in Paderborn belohnt die schauspielerische Leistung von Alexander Wilß, Kirsten Potthoff Josephine Mayer, Gesa Köhler, Daniel Minetti und Carsten Faseler mit begeistertem Applaus.

Einmal im Leben auf einer großen Bühne stehen?

Wer davon träumt, kann diesen Wunsch jetzt wahr werden lassen und sich für das nächste Schrittmacher-Projekt anmelden.
Die Besonderheit bei diesem Tanzprojekt ist, dass die Tänzer von TANZ Bielefeld die Choreografien entwickeln und so die Leidenschaft für ihren Beruf direkt ...

Einmal im Leben auf einer großen Bühne stehen?

Wer davon träumt, kann diesen Wunsch jetzt wahr werden lassen und sich für das nächste Schrittmacher-Projekt anmelden.
Die Besonderheit bei diesem Tanzprojekt ist, dass die Tänzer von TANZ Bielefeld die Choreografien entwickeln und so die Leidenschaft für ihren Beruf direkt an die Teilnehmer weitergeben.
Die Profis freuen sich besonders über den engen Kontakt zum Publikum, das in die Rolle der Tänzer schlüpft.
Bewerbungsschluss ist der 1. April. Ein erstes Kennenlerntreffen mit allen Beteiligten findet am Samstag, den 27. April statt. Die kontinuierlichen Proben beginnen am 6. Mai und die Premiere auf der großen Bühne des Stadttheaters ist am 16. Juni.
In Anlehnung an das Motto der Spielzeit »Ich« wird sich der Schrittmacher unter dem Titel »Wir« mit dem Balance-Akt zwischen Individualität und Teamgeist auseinandersetzen. Anmeldungen bis zum 1. April an Kerstin Toelle .

„Ein Vorort von London in einer nahen Zukunft. Draußen haben die „Töchter der Finsternis“ die Herrschaft übernommen, eine wüste „Frauen-Gang“ mit bizarren Vorstellungen von Recht und Ordnung. Drinnen, hinter Fensterläden aus Stahl, versucht Jerome seine kreative Blockade zu überwinden. Jerome arrangiert eigentlich Originaltöne zu aufwendigen Soundcollagen. Doch seitdem ihn seine ...

„Ein Vorort von London in einer nahen Zukunft. Draußen haben die „Töchter der Finsternis“ die Herrschaft übernommen, eine wüste „Frauen-Gang“ mit bizarren Vorstellungen von Recht und Ordnung. Drinnen, hinter Fensterläden aus Stahl, versucht Jerome seine kreative Blockade zu überwinden. Jerome arrangiert eigentlich Originaltöne zu aufwendigen Soundcollagen. Doch seitdem ihn seine Frau Corinna mit der gemeinsamen Tochter verlassen hat – nicht zuletzt wegen seines künstlerisch begründeten Abhörwahns ─ ist ihm die Inspiration abhandengekommen. Jerome lebt mit einem weiblichen Roboter zusammen, ursprünglich zur Verwendung als Kindermädchen konstruiert. Trotzdem hegen sowohl das Jugendamt als auch Jeromes Exfrau berechtigte Zweifel an seiner sozialen Kompetenz. Sie weigern sich, Besuche der Tochter zu bewilligen. Also mietet Jerome eine Schauspielerin, die seine neue Verlobte und eine perfekte Hausfrau spielen soll.“
Es ist kein vordergründig komisches Stück, das Ulrike Maack am Theater Paderborn inszeniert. Es ist dynamisch und erfordert ein waches Publikum. Vor dreißig Jahren uraufgeführt beschäftigt es sich mit dem, was heute Künstliche Intelligenz (KI) genannt wird, damals noch als Roboter in den Kinderschuhen steckte und den meisten wohl nur rudimentär bekannt war. In wieweit kann Glou 300 F, die „Robotorin“ des Hauptdarstellers Jerome, eine Lebensgefährtin ersetzen, die in der Lage ist, ein Kind zu versorgen und zu erziehen. Wie vermittelt KI Sensorik, Haptik, Emotionen? Dieser Frage geht Ayckbourn in diesem präzise konstruierten Stück nach, das detailreich und lustig die Situationen beschreibt, dabei die Ernsthaftigkeit und den Humor seiner Charaktere herausarbeitet.

Auf der Bühne: Jerome, Komponist - Alexander Wilß,
Corinna, seine Exfrau / Rita - Josephine Mayer,
Geain, ihre gemeinsame Tochter - Gesa Köhler, Zoe, Schauspielerin - Kirsten Potthoff, Mervyn, Sozialarbeiter - Carsten Faseler, Gou 300 F - Josephine Mayer/Kirsten Potthoff,
Lupus - Daniel Minetti.
160 Minuten inklusive einer Pause sind geplant.
Karten für die Premiere sind noch erhältlich.

Mit dreißig Produktionen wartet Theater Bielefeld in seinen drei Sparten Schauspiel, Musiktheater und Tanz für die Theatersaison 2019/2020 auf. Im Repertoire: Klassiker, Uraufführungen, deutschsprachige Erstaufführungen in breiter Auswahl.
Als Familienstück in der Vorweihnachtszeit kommt der „Zauberer von OZ“ auf die Bühne des Stadttheaters. Als spartenübergreifende Produktion „The Black Rider – ...

Mit dreißig Produktionen wartet Theater Bielefeld in seinen drei Sparten Schauspiel, Musiktheater und Tanz für die Theatersaison 2019/2020 auf. Im Repertoire: Klassiker, Uraufführungen, deutschsprachige Erstaufführungen in breiter Auswahl.
Als Familienstück in der Vorweihnachtszeit kommt der „Zauberer von OZ“ auf die Bühne des Stadttheaters. Als spartenübergreifende Produktion „The Black Rider – The Casting of the Magic Bullets“ von Tom Waits/William S. Burroughs/Robert Wilson, an der alle Sparten des Hauses beteiligt sind.

Am 1. September 2019 ist die Premiere des Musicals „Otello darf nicht platzen“ geplant, nach der Komödie von Ken Ludwig / Buch und Gesangstexte von Peter Sham / Musik von Brad Carroll.

Mit der Uraufführung „Spin“ von David Gieselmann beginnt das Schauspiel die Saison am 6. September 2019. „Spin“ ist ein Auftragswerk anlässlich des 50-jährigen Bestehens der Universität Bielefeld.

Tanz Bielefeld beginnt die Saison am 26. Oktober 2019 mit „Opus Fünfundsechzig“, einer Uraufführung von Simone Sandroni.

Die Ensemble Projekte werden mit der Uraufführung „Voluptas & Die hungrigen Kinder“ am 17. Mai 2020 fortgesetzt.

Mehr über die kommende Theatersaison 2019/2020 finden Sie hier.

Ein Umsturz. Der neue Herzog Frederick (Nicole Lippold), herrscht mit Waffengewalt – zeitgemäß mit einem Baseballschläger. Seine Nichte, Rosalind bleibt am Hof des Onkels. Herzog Senior wird gnädigerweise nicht ermordet, sondern nur in den Wald von Arden verbannt wurde, lebt dort mit seinen Getreuen. Orlando wird von seinem älteren Bruder ...

Ein Umsturz. Der neue Herzog Frederick (Nicole Lippold), herrscht mit Waffengewalt – zeitgemäß mit einem Baseballschläger. Seine Nichte, Rosalind bleibt am Hof des Onkels. Herzog Senior wird gnädigerweise nicht ermordet, sondern nur in den Wald von Arden verbannt wurde, lebt dort mit seinen Getreuen. Orlando wird von seinem älteren Bruder um sein Erbe geprellt. Der will ihn in einem Ringkampf mit dem Ringer Charles am liebsten umringen lassen, doch Orlando gewinnt und flieht aufgrund der Umstände. Rosalind, die den Ringkampf sah, ist schwer verliet in Orlando und er in sie. So folgt Rosalind ihm als Ganymede, begleitet von Celia, die sich als Aliena verkleidet. Der Hofnarr Probstein ist mit von der Partie. Die Liebe, um die es in diesem Stück geht, treibt nun ihren Schabernack möchte man meinen, ungeachtet der außerhalb des Waldes herrschenden Konventionen. Denn Alle verlieben sich kreuz und quer.

Fesselnd und mitreißend hat Christian Schlüter Shakespeares Vorlage inszeniert. Ein Genuss für Ohr und Auge. Eine spektakuläre Bühnenkonstruktion (Anna Bergemann) beeindruckt. Drei Laufstege, die weit in das Parkett reichen, dominieren den Raum, erweitern die Bühne. Schade nur, dass die Zuschauer im Rang die Erweiterung nicht vollständig einsehen können.
Pompös die Kostüme (Clemens Leander), Gold, Silber und kräftige Farben fangen das Auge des Betrachters vor und auf den farblich eher schlicht gehaltenen Bühnenelementen.
Doga Gürer brilliert als „Rosalind/Ganymede“. Alexander Stürmer überzeugt als „Celia“. Nicole Lippold gibt die Herzöge „wie es uns gefällt“.

So kann man den begeisterten Schlussapplaus der spektakulären Premiere deuten.

Auf der Bühne die fantastischen Spieler: Nicole Lippold – Herzog Senior/Herzog Frederick, Stefan Imholz – Amiens/Le Beau, Christa Huckle – Jaques, Alrun Hofert – Charles/Silvius, Vincent zur Linden – Orlando de Boys, Susanne Schieffer – Touchstone, Brit Dehler - Oliver de Boys/William, Doga Gürer – Rosalind, Alexander Stürmer – Celia, Thomas Wolff – Phoebe/Audrey.

In dem fiktiven Kleinstaat Andorra leben gute Menschen in weißen Häusern und mit weißen Westen. Gefahr droht lediglich von den rassistischen, mächtigen, schwarzen Nachbarn.
Andri (Emanuel Weber), der Pflegesohn des Lehrers (Patrick Hellenbrand), wird von den Andorranern argwöhnisch beobachtet: „Man sieht ihm an, dass er keiner von uns ist!“ ...

In dem fiktiven Kleinstaat Andorra leben gute Menschen in weißen Häusern und mit weißen Westen. Gefahr droht lediglich von den rassistischen, mächtigen, schwarzen Nachbarn.
Andri (Emanuel Weber), der Pflegesohn des Lehrers (Patrick Hellenbrand), wird von den Andorranern argwöhnisch beobachtet: „Man sieht ihm an, dass er keiner von uns ist!“ Angeblich ist er ein Jude. Die Guten drängen ihn in die, von ihnen für einen Juden vorgesehenen Verhaltensweisen. Als Gastro-Aushilfe möchte er Tischler werden. Aus der Tischlerlehre, für die sein Vater ein horrendes Lehrgeld zahlen musste, wird er in den Verkauf gedrängt. „Das Arbeiten mit Holz liegt ihm nicht im Blut“, sagt der Meister (Henning Bormann), das ist nachweislich falsch – interessiert aber niemanden.
Andri und Barblin (Ewa Noack), die Tochter des Lehrers, lieben sich. Sie wollen heiraten. Als sie das dem Lehrer erzählen, verbietet der die Heirat. „Weil er ein Jud ist!“ mutmaßen die guten Leute in Andorra. Barblin verzweifelt an der Situation und wendet sich den Soldaten zu.
Der Vater, der eine Affäre mit einer von den Anderen hatte, deren Frucht der Liebe Andri ist, bekennt sich zu seinem Sohn – zu spät.
Als Andorra von den Anderen annektiert wird, verändert sich die Stimmung im Land. „Kein Andorraner hat etwas zu befürchten“, schallt es aus den Lautsprechern. Bei einer verordneten Judenschau wird Andri in all seiner Verletzlichkeit, nackt, vorgeführt.
Die „Guten“ bedauern Andris Tod, haben es kommen sehen und konnten nichts ändern.

„Das Bühnenbild (Stephan Manteuffel) zitiert ein bekanntes Bild der Gegenwart, das 2005 nach langen Diskussionen fertiggestellte ‚Denkmal für die ermordeten Juden Europas‘ in Berlin.“

Alexander Schilling (Inszenierung) lässt zu Beginn sehr alte Zeitzeugen die Geschichte erzählen, gleichzeitig bedauern diese, dass es ihnen nicht möglich war Einfluss zu nehmen – Befehl ist schließlich Befehl.
Schilling ist es gelungen, ein fesselndes Stück auf die Bühne zu bringen. Die schauspielerische Leistung von Emanuel Weber und Ewa Noack begeisterten. Patrick Hellenbrand überzeugte als Lehrer und letztlich verzweifelter Vater.

Das Stück, das in die Zeit passt, wurde begeistert gefeiert und reichlich mit Applaus bedacht.

Das Drama „König Ubu“ wurde 1896 uraufgeführt. Es schildert den Aufstieg eines Unzufriedenen. Vater Ubu (Lukas Graser) ist zwar nicht der Hellste, aber das stört den Hauptmann der Dragoner nicht. Er schart Gleichgesinnte um sich und es gelingt ihm, den regierenden König zu entmachten – umzubringen. Damit sind Ubu und ...

Das Drama „König Ubu“ wurde 1896 uraufgeführt. Es schildert den Aufstieg eines Unzufriedenen. Vater Ubu (Lukas Graser) ist zwar nicht der Hellste, aber das stört den Hauptmann der Dragoner nicht. Er schart Gleichgesinnte um sich und es gelingt ihm, den regierenden König zu entmachten – umzubringen. Damit sind Ubu und natürlich auch seine Frau (Doreen Nixdorf) die alleinigen Herrscher. Die Ubus überschreiten Grenzen, provozieren. Selbstherrlich und arrogant setzen sie Verwaltung und Justiz außer Kraft, erhöhen die Steuern, korrumpieren das Volk mit Gold und falschen Versprechungen. Sie treiben ihr Land in einen Krieg.

Die Inszenierung dieses in unsere Zeit passenden Stückes von Alfred Jarry liegt bei Clara Weyde. In Bielefeld kommt eine etwas reduzierte Fassung auf die Bühne. Das Volk wird durch vier Streiter repräsentiert.

Auf der Bühne: Lukas Graser – Vater Ubu, Doreen Nixdorf - Mutter Ubu, Oliver Baierl, Georg Böhm, Cornelius Gebert, Carmen Priego - die Streiter.

Die Aufführung dauert etwa 110 Minuten.

„Es geht tatsächlich um die Liebe - Punkt!“, sagt Christian Schlüter, Inszenierung, und zwar die Liebe in den verschiedensten Ausprägungen und ohne die Rücksichtnahme auf gesellschaftliche Normen der Vergangenheit. Eben: Wie es Euch gefällt.
Die Flucht in den Wald von Arden schweißt die Gefolgsleute des entmachteten Herzogs Senior zusammen. Für ...

„Es geht tatsächlich um die Liebe - Punkt!“, sagt Christian Schlüter, Inszenierung, und zwar die Liebe in den verschiedensten Ausprägungen und ohne die Rücksichtnahme auf gesellschaftliche Normen der Vergangenheit. Eben: Wie es Euch gefällt.
Die Flucht in den Wald von Arden schweißt die Gefolgsleute des entmachteten Herzogs Senior zusammen. Für sie ergeben sich durch die Verbannung neue Möglichkeiten, die letztlich in der Liebe münden. Man wechselt seine Identität, überschreitet gesellschaftliche Grenzen zu anderen Kreisen - der Edelmann trifft den Ziegenhirten. Da ist zum Beispiel Rosalind, die als Mann verkleidet, ihren Geliebten Orlando wiederfindet und mit ihm ein Liebeserziehungsspiel spielt.

„Am Ende haben wir eine Gesellschaft auf der Bühne, die in ihrer kompletten Utopie wahnsinnig respektvoll, tolerant, plural und divers ist“, so Viktoria Göke, Dramaturgin.

„Ziel wäre, dass man in der Darstellung nicht einfach nur eine originelle Idee hat sondern, dass man zur puren Essenz der Figur durchdringt, die nicht beim Geschlecht befangen bleibt“, ergänzt Schlüter.

Die Bühne (Anna Bergemann) besteht aus drei Laufstegen, die das Theaterspiel im Theaterspiel unterstreichen. Die Kostüme (Clemens Leander) sind opulent, barock und mit asiatischen Strukturen angelegt.

Auf der Bühne: Nicole Lippold – Herzog Senior/Herzog Frederick, Stefan Imholz – Amiens/Le Beau, Christa Huckle – Jaques, Alrun Hofert – Charles/Silvius, Vincent zur Linden – Orlando de Boys, Susanne Schieffer – Touchstone, Brit Dehler - Oliver de Boys/William, Doga Gürer – Rosalind, Alexander Stürmer – Celia, Thomas Wolff – Phoebe/Audrey.

Shakespeares Spiel dauert etwa 150 Minuten.

Katharina Torwesten wird in der Saison 2020/2021 Ballettdirektorin am Landestheater Detmold, verkündete Georg Heckel, Intendant des Hauses, mit großer Freude. „Der frühe Zeitpunkt der Bekanntgabe ist mir wichtig“, so Heckel, „damit Detmold nach dreißig Jahren Richard Lowe nicht in ein ‚Tanzloch‘ fällt.“ Kursierende Gerüchte schildern die Zukunft zwar facettenreich aber ...

Katharina Torwesten wird in der Saison 2020/2021 Ballettdirektorin am Landestheater Detmold, verkündete Georg Heckel, Intendant des Hauses, mit großer Freude. „Der frühe Zeitpunkt der Bekanntgabe ist mir wichtig“, so Heckel, „damit Detmold nach dreißig Jahren Richard Lowe nicht in ein ‚Tanzloch‘ fällt.“ Kursierende Gerüchte schildern die Zukunft zwar facettenreich aber nicht unbedingt, so wie die Planung des Landestheaters es vorsieht.
Torwesten, geboren in Münster, hat in den letzten Jahren erfolgreich am Landestheater Coburg gewirkt und seit 2010 am Schleswig-Holsteinischen Landestheater in kürzester Zeit eine neue Company geformt und den Tänzern nach ihren individuellen Persönlichkeiten ausdrucksstarke Rollen „auf den Leib geschrieben“ hat. „Teil meiner Arbeit“, sagt Torwesten, „ist es, Musik adäquat in Bewegung zu übersetzten.“ Dabei hilft die fundierte musikalische Ausbildung (Geige und Klavier). Die Choreographien entstehen im Dialog mit den Tänzern. Breit gefächerte stilistische Elemente will sie auf die Bühne bringen: klassisches Ballett, Modern und Contemporary Dance sowie Neoklassik.
Die Kompanie wird in der Saison 2020/2021 vergrößert werden, erklärt Heckel, und die Skala der Tanz-Veranstaltungen erweitert.
In der Saison 2019/2020 wird eine namhafte Companie als „Artist in Residence“ den Tanzbetrieb in Detmold aufrechterhalten.

Ein halbes Jahr haben sich sieben Jugendliche im Alter zwischen 14 und 23 unter der Leitung von Theaterpädagoge Steven Wadulla mit Tanja Šljivars Stück „All Adventurous Women Do“ beschäftigt. In ihrem dramatischen Text beschreibt die in Bosnien-Herzegowina geborene Autorin Šljivar die Umstände von sieben Schülerinnen, die nach einer fünftägigen Klassenfahrt ...

Ein halbes Jahr haben sich sieben Jugendliche im Alter zwischen 14 und 23 unter der Leitung von Theaterpädagoge Steven Wadulla mit Tanja Šljivars Stück „All Adventurous Women Do“ beschäftigt. In ihrem dramatischen Text beschreibt die in Bosnien-Herzegowina geborene Autorin Šljivar die Umstände von sieben Schülerinnen, die nach einer fünftägigen Klassenfahrt schwanger in ihr Heimatdorf zurückkehren. Sie sind erst 13 Jahre alt und stammen alle aus demselben bosnischen Dorf. Die „kollektive Schwangerschaft“ der Mädchen wird zum Skandal. In Šljivars Stück, das auf einer wahren Begebenheit aus dem Jahr 2014 beruht, kommen die Mädchen selbst zu Wort: Sieben energiegeladene Draufgängerinnen reden über Schwangerschaftstests, Langeweile, Instagram, Piercings, Gesellschaftsutopien, Perspektivlosigkeit, Twitter, Zukunftsangst und Abtreibungen. Und darüber, dass es egal ist, aus einer Gesellschaft ausgestoßen zu werden, der man nie angehört hat.

„Das Stück“, so Lea Redlich (Dramaturgie), „ist ein Szenenreigen von fünf Protagonisten, die auf den ersten Blick so gar nichts miteinander zu tun zu haben scheinen.“
Da sind der vereinsamte Rentner mit Redezwang – er erklärt seinen Mitreisenden gnadenlos die Suche nach seiner Lebensphilosophie. Eine nicht wirklich glückliche Ehefrau ...

„Das Stück“, so Lea Redlich (Dramaturgie), „ist ein Szenenreigen von fünf Protagonisten, die auf den ersten Blick so gar nichts miteinander zu tun zu haben scheinen.“
Da sind der vereinsamte Rentner mit Redezwang – er erklärt seinen Mitreisenden gnadenlos die Suche nach seiner Lebensphilosophie. Eine nicht wirklich glückliche Ehefrau und Mutter auf Selbsterfahrungstrip, die beim Wochenkurs „Blockaden losen durch kreatives Malen auf Stoff“ ihren Durchbruch hat. Der planlose WG-Student mit Helfersyndrom, der schon daran scheitert, sich einen Spruch für ein Protestplakat auszudenken. Eine elegante, alleinstehende Dame, die auf einen Begleitservice zurückgreift, um ihre Gefühlskälte zu vertuschen. Den vielbeschäftigten, engagierten und erfolgreichen Ehe- und Geschäftsmann, der alles unter einen Hut zu kriegen scheint. Verbunden werden die Figuren durch den Flug einer Taube, die ihnen begegnet, und den Anschlag auf den Hauptbahnhof, der sie in irgendeiner Weise betrifft.

Jan Steinbach, Inszenierung, „... trägt dieses Stück schon einige Jahre mit sich herum“. Er sieht den Titel „Fundament“ als Synonym für die eigene Basis im Leben, das Fundament einer Gesellschaft. Der Autor geht virtuos mit der Sprache um, die humoristische Anteile besitzt und daher umso mehr ins Tragische abgleitet.

Vier Schauspieler verkörpern siebzehn Rollen und daneben fünf Erzähler. Auf der Bühne zu sehen Gernot Schmidt, Anton Becker, Jorida Sorra, Alexandra Riemann.

Der Szenenreigen nimmt etwa 90 Minuten in Anspruch.

Andorra ist ein fiktiver Kleinstaat, der von einem rassistischen, mächtigeren Nachbarstaat umgeben ist. Die Andorraner fürchten um ihre Eigenständigkeit und das zu Recht.
Andri, der angeblich jüdische Pflegesohn des Lehrers, wird von den Andorranern argwöhnisch beobachtet: „Man sieht ihm an, dass er keiner von uns ist!“ Andri und Barblin, die ...

Andorra ist ein fiktiver Kleinstaat, der von einem rassistischen, mächtigeren Nachbarstaat umgeben ist. Die Andorraner fürchten um ihre Eigenständigkeit und das zu Recht.
Andri, der angeblich jüdische Pflegesohn des Lehrers, wird von den Andorranern argwöhnisch beobachtet: „Man sieht ihm an, dass er keiner von uns ist!“ Andri und Barblin, die Tochter des Lehrers, lieben sich.
Als Andorra von den Anderen annektiert wird, verändert sich die Stimmung im Land. Der latent vorhandene Antisemitismus wird offenbar, die „Guten“ werden indoktriniert.

Alexander Schilling lässt zu Beginn sehr alte Zeitzeugen die Geschichte erzählen und stellt die Frage: Was hat das Stück mit 2019 zu tun? Folgerichtig spielt seine Interpretation eindeutig heute.

Schilling ist der Ansicht „… dass man nicht immer alles sagen kann was man möchte, ohne die Folgen zu bedenken.“

Auf der Bühne: Emanuel Weber – Andri, Ewa Noack – Barblin, Patrick Hellenbrand - Der Lehrer, Natascha Mamier - Die Mutter/Die Senora, André Lassen - Der Soldat, Heiner Junghans - Der Wirt, Henning Bormann - Der Tischler, Jürgen Roth - Der Doktor, Adrian Thomser - Der Geselle

Die Aufführung wird etwa 160 Minuten inkl. einer Pause dauern.

Dieses „Lehrstück“, wie es sein Autor Max Frisch bezeichnete, wurde 1961 in Zürich uraufgeführt.

Nach dem gleichnamigen Jugendbuch von Bjarne Reuter, ab zehn Jahren.

Hodder ist anders. Er ist nicht der Burner und extrem neugierig. In seiner Klasse nicht sonderlich beliebt. Aber er hat einen Auftrag. Er ist auserwählt. Er soll die Welt retten, so hat die Fee es ihm in der Nacht ...

Nach dem gleichnamigen Jugendbuch von Bjarne Reuter, ab zehn Jahren.

Hodder ist anders. Er ist nicht der Burner und extrem neugierig. In seiner Klasse nicht sonderlich beliebt. Aber er hat einen Auftrag. Er ist auserwählt. Er soll die Welt retten, so hat die Fee es ihm in der Nacht gesagt.
Also macht er sich daran, sein Team zusammen zu stellen, was für den Außenseiter nicht so einfach ist.
Trotzdem gelingt es ihm. weil er in jedem ein Gefühl der Verbundenheit erzeugen kann.
„Ein unterhaltsames Plädoyer für die Kraft der Imagination und eine Aufforderung an alle Nachtschwärmer, ihrer Neugier freien Lauf zu lassen.“
Ein dynamisches Stück hat Konstanze Kappenstein auf die Bühne gebracht. Drei Schauspieler verkörpern neun Rollen und noch ein paar Erzähler.
Die Bühne, Simone Graßmann, muss sich der Dynamik des Stückes anpassen, die Szenenwechsel werden durch verschiedenste Rahmen markiert, Kostüme auf der Bühne gewechselt.
Auf der Bühne: Thomas Ehrlichmann, Wenja Imlau, Robert Will.

Befreien! – Warum?

Die selten aufgeführte Oper Ariane und Blaubart von Paul Dukas feierte am 1. März im Stadttheater Bielefeld Premiere.
Die ursprüngliche dramatische Gruselgeschichte ist von Maurice Maeterlincks – man könnte sagen – weichgespült worden.
Arianes fünf Vorgängerinnen als Blaubarts Ehefrau werden nicht enthauptet, sondern lediglich ...

Befreien! – Warum?

Die selten aufgeführte Oper Ariane und Blaubart von Paul Dukas feierte am 1. März im Stadttheater Bielefeld Premiere.
Die ursprüngliche dramatische Gruselgeschichte ist von Maurice Maeterlincks – man könnte sagen – weichgespült worden.
Arianes fünf Vorgängerinnen als Blaubarts Ehefrau werden nicht enthauptet, sondern lediglich eingesperrt. Blaubart ist kein Serienmörder – der Ruch umgibt ihn allerdings und beherrscht sein Schloss.
Ariane (Sarah Kuffner) und ihre Amme (für die erkrankte Katja Starke sprangen Janina Baechle [Mezzosopran] und Frederike Prick-Hoffmann [Spiel] kurzfristig ein) treffen in Blaubarts Schloss ein. Der Herr des Hauses erscheint nicht, um sie zu begrüßen. Die beiden stöbern herum. Dann nähert Blaubart sich eher als Voyeur denn als künftiger Gatte. Ein Bund von Schlüsseln wird übergeben, mit der Auflage den goldenen nicht zu benutzen. Nachdem die ersten erlaubten Schlüssel ihren Dienst getan haben und die Türen öffneten, liegen Edelsteine, Gold und Silber vor Ariane, die sich nicht besonders dafür interessiert, und der Amme, die hin und weg ist von dem Funkeln und Strahlen. Natürlich wird auch der sechste Schlüssel benutzt und die hinter der Tür gefangenen fünf Ex-Frauen befreit. Trotz erheblicher Mühe, die die toughe Ariane aufwendet, können sich die Frauen aber letztlich nicht entschließen, ihren Käfig zu verlassen. Ariane sticht mit einem Messer auf Blaubart (Moon Soo Park) ein, verletzt aber tötet ihn nicht. Aufopfernd kümmern sich seine EX-Frauen um Blaubart. Ariane verlässt unverrichteter Dinge, ohne die Amme, das Schloss.
Eine brillante Leistung von Sarah Kuffner an diesem Premierenabend. Nohad Becker präsentierte, trotz leichter Einschränkungen, herausragend die Partie der Sélysette.
Der Bielefelder Opernchor und die Herren des Extrachores blieben zwar unsichtbar, trugen unter der Leitung von Hagen Enke ihren Teil zum Gelingen des Abends bei.

Die musikalische Leitung lag in den bewährten Händen von GMD Alexander Kalajdzic, denen die Bielefelder Philharmoniker folgten. Anfangs kämpfen Musik und Gesang um die Vorherrschaft in den Ohren des Publikums – das änderte sich nach der Pause wohl durch eine feinere Abstimmung.
Für die Inszenierung zeichnet Andrea Schwalbach verantwortlich. Die von Nanette Zimmermann raffiniert erdachte, zunächst geschlossene Bühne signalisiert im dritten Akt Freiheit und Transparenz. Die schräge Ebene und die schief angeordneten Fenster vermitteln den Zuschauern ungewöhnliche Perspektiven auf das Geschehen.

Auf der Bühne: Sarah Kuffner -, Janina Baechle (Gesang)/Frederike Prick-Hoffmann (Spiel) - Die Amme, Moon Soo Park – Blaubart, Nohad Becker – Sélysette, Hasti Molavian – Bellangère, Dorine Mortelmans – Ygraine, Melanie Kreuter – Mélisande, Katrin Schyns – Alladine, Yoshiaki Kimura - Ein alter Bauer/Dritter Bauer, Dumitru-Bogdan Sandu - Zweiter Bauer.

Das Premierenpublikum applaudiere anerkennend, nicht wirklich begeistert.

„Was bedeutet es in einer Gesellschaft aufzuwachsen, die „Heimat“ nicht fest mit einem Ort verbindet, sondern das Unterwegssein als identitäts¬stiftend erfährt? In der Ausstellung ‚Die Realität … ist absurder als jeder Film‘ beleuchten fünf in Israel geborene Künstler mit je einem opulenten Videofilm und begleitenden Bildwerken höchst unterschiedliche Lebenswelten, deren ...

„Was bedeutet es in einer Gesellschaft aufzuwachsen, die „Heimat“ nicht fest mit einem Ort verbindet, sondern das Unterwegssein als identitäts¬stiftend erfährt? In der Ausstellung ‚Die Realität … ist absurder als jeder Film‘ beleuchten fünf in Israel geborene Künstler mit je einem opulenten Videofilm und begleitenden Bildwerken höchst unterschiedliche Lebenswelten, deren Faszinationskraft man sich kaum entziehen kann. Voller Fabulierlust und mit untergründigem Witz erzählen Yael Bartana, Guy Ben-Ner, Keren Cytter, Omer Fast und Roee Rosen von reli¬giösen Kultorten, vom Kampf gegen den Staub und allgegenwärtigem Kriegsgetöse, von der Sinnsuche und märchenhaften Erscheinungen.“

Für diese Ausstellung wandeln sich die Gehry-Galerien - wieder einmal – nun in ein „Multiplexkino“. Vier Videofilme und eine VR-Show (virtual Reality) mit überwältigenden, verstörenden, bezaubernden, skurrilen Bildern und Geschehnissen erwarten die Besucher. Nachdem diese eine, in der Anmutung an eine Arztpraxis erinnernde, Anmeldung passieren, wo die Tickets entwertet werden und ein „Anamnese-Fragebogen“ auszufüllen ist, gelangen sie in einen klinisch rein wirkenden Behandlungsraum. Dort erwartet sie die VR-Produktion „The invisible Hand“ von Omar Fast – eine europäische Erstaufführung. Begleitet von sachkundigen Assistentinnen in weißen Kitteln werden die Besucher auf die Behandlung vorbereitet. VR-Brille und Kopfhörer werden platziert und ab geht es in eine fremde Welt – die gegenwärtigen Vorstädte Chinas, in die der Künstler ein altes jüdisches Märchen verlagert hat. Die 360 Grad-Optik zieht den Zuschauer in die wundersame Geschichte vom plötzlichen Wohlstand und dem darauffolgenden sozialen Abstieg einer Familie hinein.
Eine Sitzkissenlandschaft – sie erinnert ein wenig an die 1960-er Jahre – lädt zum hinfläzen und „Fernsehen“ ein. Auf zwei Bildschirmen wird der Film „Middle of Beyond“ gezeigt, der die Geschichte eines jungen Poeten erzählt, der vor der Wirklichkeit flieht, mit 30 immer noch bei seiner Mutter lebt und sich selbst sucht. Keren Cytter lässt diese Geschichte in Berlin spielen.
Eine Leinwand von 45 m² präsentiert „Inferno“ von Yael Bartana. Überwältigende Bilder der Vision vom euphorischen Entstehen bis zum dramatischen Vergehen des „Tempel Salomons“ in São Paulo sind im Marta Dome zu sehen.
Ein Geheimtipp der letzten documenta in Kassel „The Dust Channel“, des Malers, Autors und Filmemachers Roee Rosen ist ebenfalls zu sehen. „Mit Operettengesang und allerlei skurrilen Szenen erzählt das Werk vom Kampf eines jungen Ehepaares gegen den allgegenwärtigen Staub, bei dem ein beutelloser Staubsauger zum Heilsbringer gegen das von außen eindringende Fremde wird.“
Eine sehenswerte Ausstellung, die bis zum 10. Juni 2019 zu erleben ist.